2014年1月10日 星期五

沒有時刻的月台


沒有時刻的月台 黃春明

本書收錄黃春明近年所寫小說〈沒有時刻的月臺〉、〈有一隻懷錶〉等,以及早期未收錄成書,具現代主義色彩的作品。如〈男人與小刀〉,邊緣性格的苦澀 青年與小刀相依互屬,最後竟將一把危險的刀割進體內來。又如細膩刻畫戀愛故事的〈跟著腳走〉,失業記者M掙扎於愛情、現實冷酷之間,一日內奔波宜蘭、臺北 兩地。與戀人G之間的真愛約定,終被殘酷的現實、猛暴的颱風一刀割裂、毀壞。〈金絲雀的哀歌變奏曲〉筆法迥異於黃春明其他作品,活靈活現描繪一對父母與病 榻少女之間,生命與愛的交集。
此外,書中彙編的「最短篇」,則用簡單的文字,呈現意味深遠的故事。以〈買觀音〉為例,老婦人買了假雞血石觀音像,被眾人點破後不斷重複「我是買觀音、我是買觀音……」,其拒絕承認受騙的情緒,夾雜了崇拜神祇的單純心情,嘮叨反覆的口吻勾勒出老婦人的無奈。
本書之小說人物多有深刻思考。讀者隨故事主角遁入內心獨白,遠離人間,而令人錯愕、出乎意料的小說結局,則令人產生一種獨白過後的自省觀照。



國中高中國文課的時候『黃春明』這個名字總不絕於耳的在我周圍繞阿繞的,約略知道他是一位現代鄉土作家雖然對於他的是耳熟能詳卻沒有真正閱讀過他的哪一本書,哪一件作品,直到最近讀了他的這部中篇及短篇夾雜的作品集---沒有時刻的月台。

   作者的情感真摯且細膩,雖是描述著瑣碎微不足道的小事,卻更貼近,最讓人感同身受的角度好比在中篇小說---男人與小刀中,起初他描述著旅人們回到他們的家鄉---宜蘭羅東時的心路歷程,在火車上會意的對看眼神,巧遇舊識的驚奇與尷尬氛圍,以及抵達家鄉時,火車門開啟的那一刻,頓時吸入鼻腔的喜悅與鄉愁,深刻的刻畫出外旅人們著近鄉的激昂與情怯 ;而男人跟小刀之間的依附關係,便是自學生時期他偶然看見霸凌事件開始,他撿起那把刀,就像是一種寄託,壓力大時玩他玩得更勤,那是家庭,事業,父母對於他終生大事的壓迫逼過來的現實,最後他在恍惚間,把那把刀插入了身體中。那是社會中某些小人物的無助,懦弱,以及不肯面對現實的通病,在陽育恍惚自殺的那一刻,有一種悲哀的苦澀,卻又讓我覺得荒謬而可笑。

   而另外一篇流傳很廣的最短篇小說---買觀音,老婦人買了假的雞血石觀音像,被人點破後,卻不斷喃喃自語地念著「我是買觀音、我是買觀音…」這句話,暗暗刻畫著老婦拒絕承認受騙的情緒,也夾雜著人們崇拜神明的單純心情,在他喃喃自語的念著””我是買觀音 的同時,也再再勾勒出老婦人的無奈。雖然只是看一篇不過幾百字的極短文,看到這篇時我卻不自不覺的紅了眼眶,最近不知道為什麼,只要看到有關於老人的事情就會特別感慨特別難受。也或許是一種移情作用吧,看著自己最愛的爺爺漸漸的蒼老,霜鬢斑駁,身體也越來越不好,吃不下而變得消瘦,每次想到就會鼻酸,很崩潰,很想大哭,那應該就很是害怕失去的心情吧?再看著作者描寫買了假觀音的老婦人,我彷彿難完全能夠感受得到她的無助還有不知所措,那種心底的失落,很心酸,很心疼。

    前陣子看了一部電影叫做『牛鈴之聲』,短短幾分鐘的預告片看了八次每次都痛哭,後來又看了電影,第一幕我就哭了,然後越哭越慘,所以後來這部片子我分了六次才有辦法把他看完;我很崩潰,兩個老人這麼老了還要下田,腳明明不方便還要下田,他們的老牛陪了他們很久,雖然很老了走不動了老爺爺還是把他當作寶貝,老人堅定的眼光,但再看見別人鄙視嘲笑眼神,那好像是悶在胸口一團化不開的濃霧撼動的我好久好久真的真的真的真的,好心酸。

   閱讀黃春明的小說時,他描寫小人物的那些深刻的無奈與身不由己的悲哀時,我好像都會自以為能夠感同身受,所以感觸才會特別深,會覺得同情,會覺得心酸難過。爸爸總是說我濫情,他很不喜歡我這樣,有一次我跟他說,我在網路上看到板橋收容所有三十幾隻純種名種犬,問媽媽想不想多養一隻狗?爸爸說不好,我說,可是這樣他們都會被安樂死,但是我爸爸卻說,妳以為妳是活菩薩嗎?根本救不了那麼多的!這或許也是雙魚座討人厭的地方吧?多愁善感,自以為這樣叫做大愛,自以為能夠救贖所有人,自以為大家都需要妳的同情,卻不知道自己能力根本有限,卻不知道自己其實根本連自己都管不好。




Sol Lewitt

「Sol Lewitt」觀念藝術


索爾·勒維特(1928年9月9日-2007年4月8日),
美國藝術家,藝術研究包括概念藝術和極簡主義。
60年代末,研究包括素描,版畫等的多種媒介的繪畫。
他自1965年在博物館和畫廊世界各地舉辦數百個展。
他多產立體圖型,從牆畫(超過1200件,包含已經被人工毀壞的)到金字塔的幾何形式的結構。這些作品的範圍包含了不同規模大小的裝置和巨大的​​戶外作品。
他的開放式「模塊化」結構的頻繁使用來源於立方的形式,影響了他首次成為藝術家的想法。
(1)Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?(他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

































他舉出觀念藝術與科技藝術之間的複雜與矛盾:「在觀念藝術中最重要的是有關作品本身觀念的想法…觀念變成一種製造藝術的機器…當代藝術面臨的最大的災難就是要不斷面對新的材料…其危機在,過於強調材料的物理性質以致於取代了作品的想法。」
「許多成功的觀念都是最直接簡單的,因為那看起來就像是必然如此。」(Most ideas that are successful are ludicrously simple. Successful ideas generally have the appearance of simplicity because they seem inevitable.)
勒維特是美國60年代的概念與極簡主義藝術先驅,他主張創作應排除所有複雜元素,回到最基本的表現形式,因此他在創作 上僅使用簡單的線條、幾何圖形與色彩,在平面的畫布與牆面上組合出多變的造形與奇幻的空間層次感,看著其畫作中既瘋狂又理性的線條,就像是進行一場視覺的 測試,不斷重複的色塊與線條,像有魔力般能將觀者拉進其異境中,絢爛且迷幻,但有時卻又讓人感到眼花繚亂,只好趕緊閉上眼睛免受迷惑。
(2)介紹Sol Lewiit的作品。
《Wall Drawing #879》
1968年以來,Sol LeWitt創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面,到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。
總體而言,黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心,即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一樣。黑色和白色真正構築了 藝術家的作品:「他早期的作品主要使用鉛筆,後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同,黑白表現出強烈的對比,而各種灰度的微妙變化加強了光影 的效果,會讓作品更富生機。
《Wall Drawing #879》,又名《LoopyDoopy》,象徵藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格,是LeWitt作品中的一個異類。
(3)相較於極簡藝術,Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

Sol Lewitt認為繪畫、創作是沒有內容的,繪畫即是繪畫,畫布即是畫布,它不需具有任何的意義,觀賞者感受到的是最直接的視覺反應。他曾說:「觀念是創造藝術作品的機器。」他的許多作品都是經由構思後,再經由一連串的說明,由他人代勞而成的。
關於製造,可以自已動手作或委託完成,觀念藝術家勞倫斯 懷恩納(Laurence Weine)於1968年在美國新藝術雜誌上也明確的指出三種(觀念藝術)呈現的方法:一、 藝術家直接實現其作品。二、作品可由他人來實現。三、作品並不一定要實現。
Sol LeWitt很多的作品能被任何人製作,因為只被一堆的文字描述所記載。
當意識到這種個人化視野的獨特性後,他放手將製作的手法交給他人,Sol Lewitt想像的是,做為與牆面的一種嶄新的 「對話 」,每個不同的詮釋者對此的體驗都是不一樣的:「 製圖者開始感覺無聊,隨後,通過這種無意義的活動,開始發現了一種平靜或者痛苦。」在 Mass MoCA, 那些即將因為實現這些畫作而獲得這種體驗的人們(這種體驗因藝術家過世後,而具有了嶄新的重要性),是二十四名與勒維特工作的助手,是來自耶魯,威廉姆 斯,馬薩諸塞自由藝術學院以及世界各地的學生和校友們。勒維特革命性的創作所衍生出來的潛能和力量將直接被完成這些牆畫的人們以及來此觀看的人們所領略體 驗到。
他認為創作的理念、想法才是最重要的,當一個藝術家使用觀念的藝術形式時,就意味著所有計劃和決定都已事先作出,而後 續的執行到完成就成為了例行公事。雖然他的作品在視覺表現上比較接近於極簡主義,但使用現成物、某種發明、裝置等的觀念藝術才更接近他所想要的最直覺性地 傳達風格。

2013年12月23日 星期一

Gregor Collienne



充滿相對與創意的比利時攝影師 – Gregor Collienne

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比利時從事商業設影多年的設影師Gregor Collienne拍攝了許多饒富趣味的作品。從他的作品中幾乎看不到任何的商業氣息,但卻總能巧妙地吸引你的目光,無意間傳達廣告的意涵。每一幅作品幾 乎的可以獨立存在著一段故事,如果把他放在一起,就會變成一系列的故事。只要仔細端倪,就可以看出他眼中的世界。

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 你忘了帶鑰匙嗎?大嬸

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身歷其境,這樣看球賽才過癮

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在家就能夠去血拼

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甜蜜的雙人世界,泡澡還能聽歌劇

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預備,Go!!

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轉角遇到「愛」!

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全部都是我的!

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私人交通工具,一定要做好防盜措施。

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隱形車

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隱形雲霄飛車

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鴕鳥心態

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教練,我的救生圈好了嗎…

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我的志願是….太空人

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Super Star

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遠距教學!?這樣落差會不會太大。

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CSI犯罪現場就在你家隔壁。

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我的獵物-從夜市獵到的

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桃色禮物

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老闆說「整間」都要打蠟!

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誰要來陪我打球,這裡超刺激!

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小心,不要惹我。

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要趕快修好,要不然等一下節目要開始了!

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四海為家

Gregor Collienne的就像是影像的魔術師,
將所有不合理變得合理,但不仔細端詳卻又看不出來。
他的攝影作品顏色溫潤不衝突,看起來是很舒服的,
人物中的動態也都很自然不誇張,卻又充滿戲劇張力,
但無為和感的畫面不仔細看其實也看不出來照片中有什麼不合理的地方,
我想這就是他之所以厲害並且受歡迎的原因吧。

Josef Alber & James Turrell

Josef Alber 與 James Turrell

1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介


Josef Alber-
Josef alber是二十世紀最重要之藝術家與教育家之一,無論是放眼現代藝術史,或是從現代藝術教育的發展來看,亞伯斯都是備受尊崇且具有深刻影響力的人 物。 亞伯斯自1920年代初完成德國包浩斯(Bauhaus)學校的課程後即被聘任主持玻璃作坊,隨後又接掌包浩斯最重視的基礎課程,成為首位在母校任教的包 浩斯畢業生,也成為包浩斯在工藝、設計與建築的概念革新與現代化轉向上的主要舵手之ㄧ;1930年代隨著包浩斯被迫解散而移居美國,自此先後在黑山學院、 哈佛大學、耶魯大學任教逾四十年,終其一生致力於藝術教育的同時,也未曾停歇對於藝術創作的探索。
    包浩斯的理念得以在美國發揚光大,繼而在全世界對現代建築與設計產生無與倫比的影響,亞伯斯扮演了關鍵的角色;在藝術教育方面,長年的教學相長累 積出二十世紀最具啟發性也最著名的色彩認知理論,1963年問世《色彩的交互作用》(Interaction of Color)至今仍被認為是視覺色彩研究的經典之著;在藝術創作方面,由於亞伯斯對材料、形式與色彩的純粹化、簡約化的探索鑽研,使其自1949年起持續 發展《向方形致敬》(Homage to the Square)系列畫作,此系列的典型構圖係畫面上三或四塊方形單色色塊以等距離逐一內縮,平面上的色塊呈現出嚴謹的幾何層次進而賦予觀者三度空間的視覺 感,此系列也成為他最著稱的藝術「標誌」,他探討形與色關係的藝術與觀念對美國現代抽象藝術的發展產生重大的衝擊與影響,開拓幾何抽象繪畫的新領域,也成 為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。



James turrell-
James Turrell是一位以空間和光線為創作素材的當代藝術家。善於將光線「可視化」的裝置藝術家,這位原本是唸心理學與數學的藝術家,透過精密計算與對身體感知的了解,將我們因太過熟悉而忽略的光影變化「具象化」,如視覺戲法般地賦予觀者魔幻的感受
光和空間的互動,以及觀者和作品之間的互動。


2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究




Josef Alber-
「形式的均衡」
亦可稱為「對稱的均衡」﹝symmetrical balance﹞,是指以中心兩邊,具有相等或相當的視覺量而形成的靜止現象。一般紀念性的建築物常採取對稱的均衡原則來設計,對稱的均衡賦予作品穩重、莊嚴、寧靜的感覺。




James Turrell-
以色彩創作讓人感覺作品有空間感,讓作品富有質量和空間的延伸,但這些卻都只是投影所給我們眼睛帶來是視覺錯亂。james turrell自己闡述:“我將光當作一種材料, 但是感知才是我的媒介。我希望你能看你所看,感你所感。”他希望他的作品可以增強人們的感知,並且將這個感知延伸到一個供人沉思和啟示的場所。


3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式



Josef Alber-
硬邊藝術(Hard Edge) 產生於50年代中期,試圖用幾何圖形或有清晰邊緣的造型,創造一種新風格和當時流行的抽象表現派相抗衡。他們拋棄抽象表現派常用的色彩明暗對比和有立體空 間的畫面效果,代之以重視色相對比和平面感的大色塊。於1959年由美國評論家J .蘭納命名的。




James Turrell-
James Turrell作品挑戰人們快速觀看藝術作品的習慣。他認為觀者在一件藝術作品上花費的觀看時間太短,以致於無法認真欣賞作品本身。變化萬千的光線讓觀者 仿若跌入於長日將盡的魔幻時刻空隙之中,讓人暈眩又不由自主地凝神觀看,他曾說:「有時候在觀看某些東西的時候,我會有點急躁。老實說,蒙娜麗莎在洛杉磯 展出時,我只看了13秒。但是,你知道的,現在有一個慢食運動。或許我們可以來個慢藝術運動,花一個小時來欣賞作品。」「我的作品是創造一個空間讓光得以 棲息,而觀者如何面對這個空間。通常,我們張著眼,卻對光線視而不見,這提醒了我,我們必須要有另一種觀看的方式。」

2013年12月2日 星期一

Looks Like Music

Looks Like Music:音樂的視覺模樣  
原刊登於大誌雜誌the Big Issue Taiwan Oct. 2013, photo © Yuri Suzuki

旅居英國與瑞典的日本設計師Yuri Suzuki,專注於聲音藝術創作。
在盧森堡MUDAM當代藝術館展出最新作品「Looks Like Music」,在展覽空間地上設置大尺寸紙張,以及五個白色小小造型各異的機械裝置,會跟隨畫在白紙上的黑線行走,參觀者可使用彩色筆在黑線軌道上任意塗色,小機械裝置行經動線上的塗鴉,就會將色彩及筆觸轉換成不同的音樂,成為此裝置作品的一部分。設計師希望能夠發展出一種比專業五線譜更簡易的音樂記錄新模式,結合音樂與繪畫這兩樣我們天性中不可或缺的藝術因子,操作模式不限年齡性別都樂此不疲,讓人人都能創作自己的樂曲,而紙上色彩繽紛的生動線條,更直接反應出跳躍音符該有的視覺模樣。  


 因為上個學期設計作業的主題式留聲機,當時想取用的概念就是將留聲機所發出的無形的音樂聲轉換成有形的音波線條曲線,在發想的過程中也碰到很多挫折跟困難。無意間看到這篇設計介紹,讓我感覺特別的熟悉,我的發想概念是將無形的音樂音波轉換成有形的圖樣,而這個設計主要的概念則是跟我的相反方向的,反過來用視覺可見的畫筆曲線讓裝置發出聲音,這麼一來大家都能成為自己獨一無二的作曲家,創造屬於自己畫中情境的音樂。


2013年11月25日 星期一

Jackson Pollock

Jackson Pollock


Jackson Pollock的非具象繪畫手法是什麼?

美國畫家波洛克(Jackson Pollock 1912-1956 年)
是抽象表現主義中的「行動畫派」(Action Paining)裡最著名的代表人物。
他受超現實主義和德國現代畫家漢斯.霍夫曼的影響,
主張繪畫的行動要比繪畫的主題或觀念更為重要。
波洛克將沙子、玻璃碎片或其他物品摻雜在顏料裡,成為稠厚的流體,
再以畫筆或一根棒子將它們滴、灑、噴、甩在畫布上,完全摒棄造型和描寫的形式。
波洛克的噴、灑、滴、甩技巧和大膽的素材運用;
但他不贊同過度放肆地重複滴、甩等技法,或摒棄太多造型,
或捨棄其他多樣的呈現媒介或形式,造型就是他的信仰。

波洛克“動態繪畫”的創作過程很奇特,他先把畫布釘在地板上,
然後用棍棒澆上油漆,隨著畫家自己的走動,任其在畫布上滴流,
他說他的創作是潛意識的衝動。
"當我畫畫時,我不知道在畫什麼?只在完全以後,我才看到我畫了什麼。"
 他先把畫布鋪在地上,以直覺或偶然因素來表現畫家的下意識,
形成灑滴彩色的作畫方法,大約是在1947年。
他的技術結合了他身體的運動,指他有控制,塗料的粘性流動,
重力,油漆吸收到畫布。它是可控的和不可控因素的混合物。
扔,滴,淋,和飛濺,他會使勁移動畫布四周,
彷彿在跳舞,也不會停止,直到他看到了他想要看到的。

評論家哈羅爾·羅森堡(Harold Rosenberg)曾說:
"動態繪畫"與畫家圍著畫布作畫的動作有關係,
它引起了對繪畫過程的注意,
把作畫過程中留下的潛意識行庶效果作為藝術的創造,
一部分理論家們斷定這是抽象表現主義的一大貢獻。
可是另一位有實踐經驗的畫家說:
“當人們面對畫布作各種滴彩動作時,決不是單純的偶然性動作,
他仍要受到經驗和思考力的制約。”
我們從波洛克這些作品的色彩規律性上發現,
他的滴灑動作並非完全是非自
主的潛意識行為,相反地存在著"構思"的選擇機能。
觀賞他從19471951年間所作的抽象畫,
我們會發覺畫家所"構成"的是一種總體均衡的美,
有流動的和諧和自然激情的藝術魅力。



選出Jackson Pollock的一件作品做分析。

Lavender Mist


創作於1950(滴水期)在水滴和飛濺的混亂組合創建創建圖層
就是以單純的潑墨噴灑模式所製作的,
作品上的潑墨軌跡的多到幾乎無法複製的程度,
很明顯得它所具備的就是以純粹的單一模式所創造出來的抽象表現主義作品,
沒有具備功能性或是批判反思等的藝術目的。


波洛將畫所產生的氣氛表達到巔峰,技術上在濕油彩溶進其他顏材裡,
畫面佈滿了小小的黑點,散撒在淺暗粉紅上,產生出另一種不可思議的色調,
在隨意的動作中卻被下意識的潛力所操縱,他在畫前的構思是一絲不苟
,刻意的安排,製作時卻是隨意,自由地奔放,讓潛意識掌管,
他曾說:“我在繪畫時也不知道在什麼程度才算完全,
只當我停止動作時,就是這幅畫完全的時刻”。
波洛畫的精髓是畫的製作過程,是一段經歷,而不是畫的成品。
你可以和這過程起共鳴,感受其經歷,他的畫是一段旅程,而不是旅程的終點。
故此絕不能假造這經歷,最多只有模仿而已。
《淡紫靄》原名《壹.一九五零》
畫的色並沒有紫,而是由藍、白、黃、灰、赭色、粉紅和黑色,
畫右上角的手印,除為署名蓋章的作用外
,最重要的是表達畫的平面性, 是二度空間的概念。

在顏料中加入砂石碎,碎玻璃和鋁碎等材料,
他的滴彩是從美國印地安人的沙畫Sand Painting得到啟迪。
他的手法和藝術媒材使用,拓展蔪新的方向。
用豐沛的活力,抽象的符號,錯綜複雜的構圖,強勁的線條自由奔放的潑滴,
波洛溢出了激情、豁達與豪放。

2013年11月23日 星期六

亞洲巡弋

11/23 關渡美術館
參展藝術家/ Artists
方偉文Fang Wei-Wen、高雅婷Kao Ya-Ting、蘇育賢Su Yu-Hsien、劉和讓Liu Ho-Jang
賴志盛Lai Chih-Sheng、林冠名Lin Guan-Ming、黃子欽Huang Tzi-Chin、鄭博聰Cheng Bo-Tsong
吳季璁Wu Chi-Tsung、張暉明Chang Huei-Ming、陳慧嶠Chen Hui-Chiao、莊普Tsong Pu
陳松志Chen Sung-Chih、徐玫瑩Hsu Mei-Ing


亞洲,擁有獨特的地理面貌與歷史發展,更藴育出了各式豐富多元的文化與藝術形式。在邁入新世紀的全球化時代,全球經濟、藝術重心已逐漸從過去西方位移到亞洲,雖然西方美學依舊強勢當道,但面對全球化的劇烈變動,亞洲的藝術社群該以何種自覺來應對?我們該如何面對彼此,面對世界?身為亞洲的一份子,如何連結、構築亞洲藝術脈動,來面臨新世界的挑戰,亦是台灣當代藝術急欲思考的課題。


因此,本展以「亞洲巡弋」(Asia Cruise)作為十四位台灣藝術家和四位策展人的串連結合的基礎,邀請亞洲策展人與台灣藝術家以雙向參與的形式,呈現出台灣藝術家與亞洲策展人的多重想像,把關美館作為展示台灣當代藝術的抽樣場域,構成「亞洲巡弋」(Asia Cruise)展覽裡面的四個觀察主軸:鬼島(張晴文/台)、物證(王曉松/中)、隔絕今界(金善姬/韓)物體事件(金島隆弘/日)。這四條觀察路線,分別呈現了台灣當代藝術家們所關注的議題與各式創作方向。它可以是對社會現實的投射、個人微觀世界的窗口;對物體藝術的理解與詮釋,乃至於對國家現狀命題的再思考。由十四位台灣藝術家共同攜手合作,整個展覽以四條當代藝術巡弋路徑,除了藉由外部觀點來關照台灣當代藝術的共相之外,更反思台灣位於亞洲的定位與如何面對自身的各式複合議題,藉此一同交織出屬於台灣當代藝術的豐沛能量。